-Di Chiara De Luca-
Francesco Agozzino sul quarto album della band toscana, registrato a Bristol con Ali Chant, e sui conti con un’industria discografica che misura tutto in numeri.
Hollywood non esiste. O meglio, nessuno sa dove sia, e proprio per questo ci si può passare una vita a cercarla. Da questa intuizione i Flame Parade hanno costruito Hollywood Stray, il quarto album uscito il 18 settembre per Materiali Sonori: registrato in presa diretta a Bristol con Ali Chant, cinque musicisti nella stessa stanza e un produttore che ti passa il caffè mentre suoni.
È un disco su chi le luci lontane smette di inseguirle, e per capire come ci si arriva abbiamo fatto con Francesco Agozzino, chitarrista, appena rientrato dalla prima parte del tour, il giro lungo. In questa intervista si passa da un casolare toscano con un camino gigante dove tutto è cominciato, a un disco uscito pochi giorni prima del lockdown, fino a un paesino tedesco con un ex cinema diventato club e a un’industria discografica che, dice, forse è “la vera Hollywood”. In mezzo ci sono l’arte che dovrebbe svegliare e non anestetizzare, un amore che si confonde con la persona amata, la fragilità che si impara a suonare insieme e una parola che torna di continuo: contaminazione.
Ogni vostro disco rappresenta una fase diversa del vostro percorso. Come chiamereste la fase di Hollywood Stray? E come avreste chiamato le precedenti: A New Home, Cosmic Gathering, Cannibal Dreams?
Francesco: Parliamo fondamentalmente di quattro album, anche se in realtà anche l’EP uscito nel 2021, Echoes, ha rappresentato una fase abbastanza importante.
A New Home, il disco d’esordio, è in assoluto la presentazione. È proprio la nascita della band, perché la band è nata davvero in un casolare qui in Toscana che i Flame Parade avevano trasformato in una comune. C’era questo vecchio casolare di campagna, con un camino gigante davanti, dove abbiamo iniziato a scrivere i brani. Era bellissimo perché, oltre ai componenti della band, la casa si circondava di altri artisti: c’era gente che andava lì a dipingere, chi a scrivere, e sempre lì con noi c’era Pierfrancesco Bigazzi, che a tutti gli effetti è un Flame Parade e ha gestito tutti i videoclip della band. A New Home era davvero una nuova casa dove qualcosa stava iniziando a succedere, e poi ha preso vita proprio il concetto di parata, di fiamma: perché questa parata di persone è nata davanti a un camino, fondamentalmente.
Il secondo disco, Cosmic Gathering, lo dice abbastanza: ci siamo immaginati questa parata che cercava di arrivare quanto più lontano possibile. Questa unione cosmica era fondamentalmente l’obiettivo che avevamo noi: portare sotto la parata persone di qualsiasi genere e provenienza, senza nessuna esclusione. Purtroppo il disco è stato un po’ sfortunato, perché è uscito il 14 febbraio del 2020 e qualche giorno dopo è finito il mondo. In questo marasma di “Ma che facciamo? Andiamo avanti, continuiamo a scrivere musica o non lo facciamo?” abbiamo avuto la voglia di rivisitare alcuni brani, i singoli principalmente di Cosmic Gathering. Echoes è stato uno dei primissimi momenti di nuova sperimentazione: abbiamo riarrangiato i brani con nuovi strumenti, lavorando noi stessi in studio.
Questo ci ha portato a scrivere brani nuovi e lì è successa una cosa molto interessante: abbiamo sempre avuto una grandissima voglia di lasciarci contaminare da quello che ci circonda. Tant’è che non abbiamo mai avuto lo stesso produttore: abbiamo sempre cercato produttori diversi, che venissero da luoghi differenti, non solo fisici ma proprio artistici. Durante la scrittura di Cannibal Dreams abbiamo pensato a Matilde Davoli, la produttrice del terzo album, e in quel disco si sente proprio la rinascita della voglia di rifare musica. È il motivo per cui tutto l’album suona un po’ sognante, e per cui portava un nome un po’ all’opposto: I sogni cannibali. Perché avevamo questa fame di rilanciarci, e questi sogni che ci divoravano, di ricominciare a fare musica. Abbiamo registrato a Lecce con Matilde. Siamo andati per la prima volta full band all’estero, in Germania, e Cannibal Dreams ci ha lanciato in questo nuovo universo.
Poi arriviamo all’ultimo. Durante quel tour ci siamo resi conto che tutti questi sogni si erano infranti un po’ contro la grande parete della realtà: ci siamo incontrati con tantissime situazioni reali, sia delle nostre vite private sia legate al percorso artistico. Proprio durante il tour, nei vari day-off, nelle sale prove, sono nati nuovi pezzi, in maniera profondamente spontanea. Per questo i brani erano molto più umani, molto più con i piedi per terra. Abbiamo deciso di cercare una produzione quanto più reale e umana possibile. A marzo-aprile 2025 io e Mattia, il bassista dei Flame Parade, abbiamo ascoltato un disco che ci è piaciuto tantissimo, Big Swimmer del duo King Hannah. Ero rimasto affascinato da come suonava: un disco profondamente umano, molto caldo, molto vicino. Abbiamo guardato chi era il produttore e, senza nemmeno indagare troppo, gli abbiamo scritto una mail completamente a caso, a questo tizio inglese, dicendo: “Tanto quando mai risponderà, figurati, non succederà mai”. Dopo due giorni ci ha risposto – gli avevamo mandato le demo – “Che bello questo disco, facciamolo”. E noi: “Wow. Ok, facciamolo”. Abbiamo scoperto che Ali Chant è il produttore di tantissimi dischi che apprezziamo e che ascoltavamo in passato, e ha avuto una carriera stratosferica.
E com’è stato il lavoro?
Francesco: Il processo di contaminazione stavolta è stato estemporaneo: siamo arrivati in studio con le nostre bozze, le nostre demo, e lui produce in un modo non convenzionale, molto differente da quello a cui eravamo abituati. Arrivavamo la mattina e lui – è malato di caffè, fatto con la French Press – faceva il caffè per tutti. Voleva che i brani venissero suonati in presa diretta da tutta la band contemporaneamente, così che sin dalla mattina entrassimo nell’evoluzione del brano. E mentre sei lì a suonare ti passa quest’uomo con una tazza di caffè in mano, con questi cuffioni giganti e un cavo da 10 metri che passa intorno a te, e ti dice: “Adesso prova a suonare questo, prova a suonare quello”. Quando scrivi e registri musica così non può che venir fuori una produzione profondamente umana: il disco è fatto esclusivamente da microfoni messi dentro una stanza dove cinque musicisti stanno suonando. Nasce in maniera profondamente spontanea ed è stato aiutato tantissimo anche dai temi che affronta: parliamo di temi profondamente umani, di malattia, della disillusione verso questo successo. Questa Hollywood che non si tocca, che non si raggiunge mai. Una sorta di emancipazione da questo sogno intangibile.
Chiara: Nel disco Hollywood è un’illusione collettiva, un posto che promette tutto e non restituisce nulla. Secondo te, oggi dove si trova? E c’è stato un momento in cui ne hai sentito l’attrazione, anche solo per un attimo?
Francesco: Questa è in realtà la famosa domanda che ha innescato il processo di creazione, perché mentre parlavamo di questa cosa la fece a noi sempre Mattia, il bassista: “Hollywood è un luogo o un non luogo?” Per questo secondo noi, nel momento in cui si smette di seguire queste luci lontane che nessuno sa dove sono, nessuno sa come arrivarci, ci si slega da questo processo. Se dovessi dirti dov’è Hollywood oggi, onestamente non saprei risponderti, perché forse, se lo sapessi, non mi sarei ritrovato a farmi domande del genere durante la scrittura di quest’album. So solo che forse, almeno per il nostro benessere, è meglio non seguire quelle luci lontane, ma scrivere musica come abbiamo più voglia.
Quanto all’attrazione: secondo me quando si scrive musica si è sempre attratti da quella cosa, nel senso che tutti iniziamo a suonare uno strumento per un motivo ben specifico. Se togliamo la romanticizzazione, la spinta iniziale è sempre mossa da qualcosa o da qualcuno. E poi alla fine tutti iniziamo a scrivere musica perché vogliamo portarla in giro, perché vogliamo che arrivi a quante più persone possibile, che ci siano quanti più biglietti venduti, che il numerino degli ascolti salga sempre, che ci siano tantissime persone che commentano i tuoi fantastici reel. Però, tolto quello, sono tutte cose che non rimangono e che non servono davvero per la scrittura di un album, o se ci sono, la base è un’altra.
Il periodo che stiamo vivendo è molto pesante, eppure fuori sembra che tutto continui a brillare: la visibilità, il successo, le vetrine. Secondo te questa patina serve anche a distrarci da ciò che succede? E voi, nel vostro piccolo, sentite questa distanza tra i due mondi?
Francesco: Sicuramente l’arte può, e in parte deve anche, servire per patinare, o comunque forse è meglio usare il termine alleviare certe cose. Spesso può essere vettore per alleviare dei momenti, spesso è al tuo fianco in questi momenti: se pensiamo banalmente alle manifestazioni, spesso sono accompagnate da musica, da illustratori, da street artist. È molto difficile slegare le due cose. Sicuramente un tipo d’arte tende ad anestetizzare, ed è quello che secondo me non dovrebbe fare l’arte. L’arte deve essere una sorta di sveglia costante, ed è il motivo per cui, quando prima ti parlavo di contaminazione, per noi è una cosa fondamentale: nella contaminazione, nella diversità, si resta più vigili, sennò si rimane sempre assopiti, anestetizzati da quello che ci viene propinato. La contaminazione è quello che ti permette di uscire dalle zone di comfort, di sperimentare cose nuove, ascoltare, vedere, confrontarti con la diversità. E questi temi – il confronto, la contaminazione – possono essere utilizzati sia per parlare di arte in genere, sia per parlare di abbattimento di muri e di crisi globale. Poi magari sono pensieri particolarmente personali, però spesso le difficoltà sociali che stiamo vivendo nel mondo vengono da un’incapacità di guardare un attimo più avanti del proprio naso. Secondo me la contaminazione che noi tanto cerchiamo può aiutare nella lettura del mondo; almeno per noi è sempre servito.
Il problema è questo: se oggi devo pensare di scrivere un disco – poi non siamo proprio dei giovanotti, come Flame Parade – solo per buttarlo all’interno di un calderone di cose viste e riviste, sentite e risentite, che lo facciamo a fare? A noi cosa rimane? C’è anche questa roba di fare il disco in Inghilterra o fare un concerto in un paese sperduto in Germania: per quale motivo non andare? Il tour che abbiamo fatto adesso si è aperto con la data a Kusel, un posto nel sud della Germania, un paesino piccolissimo dove siamo stati per la seconda volta, quindi eravamo leggermente più avvantaggiati. È un posto meraviglioso: arrivi in questo paesino e c’è un ex cinema che è stato dato in gestione a un ragazzo, si chiama Andreas, che gestisce tutto da sé. C’è un impianto bellissimo, ha un seguito incredibile di gente che viene dai paesini intorno, e organizza qualcosa come 230-240 concerti l’anno. È una follia, se ci pensi: è come se in un paese di 5.000-6.000 anime ci fosse un ex cinema risistemato a sala da concerti che ospita 200 e passa band all’anno, dagli Stati Uniti e dall’Europa, e la gente lì intorno si trova questa cosa. Per quale motivo una cosa del genere, a priori, dovrebbe spaventarmi, quando in realtà quello è un luogo di profonda contaminazione, dove puoi parlare, confrontarti con persone che vengono davvero dall’altra parte del mondo? È questo il principio che sta dietro a questo concetto di contaminazione di cui ti parlavo.
Nel disco il randagio è chi sta ai margini senza lasciarsi addomesticare. Come vivete voi l’industria musicale, con le sue regole?
Francesco: Come lo viviamo? Malissimo, infatti. Partiamo innanzitutto da una cosa: siamo una band italiana che ha più di 10 anni e che scrive dischi in inglese. Per sempre destinati all’underground, inevitabilmente per sempre destinati a essere randagi, perché ci sentiamo sempre un po’ fuori casa. La scena musicale è quella che è, le piazze sono quelle che sono, e capiamo perfettamente che abbiamo oggettivamente meno spazio rispetto ad altre situazioni. Però il nostro essere randagi qui ci permette allo stesso tempo di essere spendibili fuori: siamo, come ti dicevo prima, una band italiana che vive da più di 10 anni e canta in inglese, e quindi ha un linguaggio che può essere accolto fuori dai confini.
L’industria discografica, forse, è un po’ la vera Hollywood. Perché nonostante tu ci stia dentro da anni, non capisci mai quello che sta succedendo. Parli con delle persone e ti dicono “Le playlist funzionano così, l’algoritmo funziona colà”, poi parli con un’altra persona e ti dice completamente il contrario, e poi parli con gli strategist della tua distribuzione e ti dicono “Questo è il miglior modo di fare le cose, ti affidi”, però poi non succedono altre cose. Penso sia una cosa abbastanza comune, e ho paura che chi non dice così dice anche una piccola bugia. Perché se sei nell’underground, con l’industria discografica – parlando proprio di industria nei massimi sistemi – non ci sei amico. È complicato perché esce tantissima musica ogni venerdì; nell’industria discografica purtroppo c’è l’industria del numero, e se non hai abbastanza numeri, in un mondo in cui escono migliaia e migliaia di dischi, rischi di essere messo da parte. Per questo lo stray, il randagio, se ne deve un po’ fregare. Quando ti scosti da queste luci, che sono fondamentalmente quelle dell’industria discografica, scopri che ci sono tantissime altre cose che possono avere, e spesso hanno, valore. Ecco la famosa disillusione di cui parliamo nel disco.
Ascoltando “888” mi è tornata in mente una teoria di cui mi ha parlato ultimamente una mia amica: l’amore è un’esperienza condivisa, ma non è la stessa per le due persone, c’è chi ama e chi è amato. L’amante porta dentro un amore che cerca un posto dove andare, e l’amato diventa quasi il pretesto, finché l’altro diventa una parte di sé. Nella vostra canzone c’è questa fusione, in cui l’altra persona si confonde con la propria identità. Deriva da qualcosa di simile, o da altro? O è qualcosa di cui avete parlato tra voi mentre la suonavate?
Francesco: Come puoi notare un po’ in tutto il disco, c’è questa specie di grande turbolenza e introspezione. Banalmente anche in “Valentine’s Day”, che è il pezzo di chiusura, c’è proprio una telefonata: questa telefonata finisce per prendersi quasi gioco della persona che ha il telefono e si sta dichiarando. Questa sorta di introspezione è sempre stata molto presente nelle narrazioni dei Flame Parade, e si può ritrovare in “888”, che abbiamo immaginato proprio come una sorta di rito – non di passaggio, di rito – in cui l’io si interroga. “888” è venuto fuori perché sembra quasi un rito esoterico, e io l’anno scorso studiavo un po’ di cinese, così, perché non sapevo che fare: “888”, per intendersi, in cinese, il numero otto e “fortuna” si pronunciano quasi allo stesso modo. Era quindi una sorta di richiamo al concetto di fortuna. Ci si rivede abbastanza nel concetto di cui mi parlavi. In realtà è sempre stato un concetto che ha accompagnato le narrazioni d’amore dei Flame Parade: banalmente anche uno dei singoli del vecchio album, “One of These Days I’ll Steal Your Heart”, parla proprio di questo. Di una sorta di distacco della persona che ama, quasi nel perdersi o nel non rendersi conto che la persona che sta amando potrebbe addirittura non essere mai esistita. Ci si perde quasi nel concetto di amore stesso prima di perdersi nella persona che si ama. È proprio un distaccamento totale. È un concetto che ci siamo sempre portati dietro, come esasperazione del concetto d’amore.
“White and Torn” racconta cosa significa essere donna in un mondo che ti vuole sempre performante e giovane. Voi siete quattro uomini e una donna: come avete trovato la sensibilità per entrare in una fragilità che non vivete in prima persona?
Francesco: Questa è una bellissima domanda. Mi sarebbe tanto piaciuto ci fosse stata anche Letizia, però ne posso parlare anche io, perché abbiamo la grande fortuna di essere sì una band, ma una famiglia allargata. Ti basta pensare che la nostra sala prove è letteralmente sotto casa di Letizia e Zana. Abbiamo una casa qui nelle campagne toscane: il piano di sopra è casa loro, il piano di sotto è tutto il nostro studio. C’è la nostra sala prove e un piccolo appartamento con un camino in mezzo, quindi facciamo le prove col camino acceso, abbiamo la regia nella stanza accanto, amplificatori, batterie, sintetizzatori, ma anche il divano dove stiamo, dove beviamo, dove condividiamo tutto.
La sensibilità per accogliere delle tematiche che biologicamente per noi sono difficili da capire viene da questa grande condivisione: siamo una famiglia allargata, parliamo di tutto, ci conosciamo profondamente e condividiamo le difficoltà quotidiane.
“White and Torn” parla sì di questi concetti allargati che si possono leggere nei comunicati stampa, ma parla anche principalmente della malattia di Leti: Letizia ha scoperto di avere l’endometriosi qualche anno fa, e questa malattia ha innescato tutta una serie di interrogativi, di domande che si è fatta lei stessa, e di inevitabili demoni. Li ha vissuti lei in prima persona, ma noi abbiamo vissuto accanto a lei. Magari siamo stati bravi a capire la sensibilità, però è un po’ come chiedere: “Come hai fatto a capire che tuo fratello oggi è triste?” Lo capisci perché è una persona che hai accanto, con cui condividi tanto e con cui hai condiviso tanto. Con Letizia abbiamo condiviso anni e anni della nostra vita, siamo cresciuti insieme e lo facciamo quotidianamente. Poi Letizia è una persona profondamente riservata: ho scoperto cosa c’era dietro questa canzone a Bristol, mentre registravamo. Nella giornata della sessione di “White and Torn” avevamo preso un appartamento vicino allo studio, e nel testo si parla di “stars”, e lei mi dice: “Ma hai capito cosa sono le stelle legate al mio corpo?” E io: “Leti, in realtà no”, perché ancora non avevamo parlato in maniera profonda di questo brano, o almeno del testo, di cosa l’aveva fatto nascere. Lei si alza leggermente la maglia e mi fa vedere le cicatrici dell’operazione che aveva fatto. Le stelle erano fondamentalmente le cicatrici che si portava dietro da quell’operazione.
A parte me, a cui è scesa una lacrima grossa quanto un fiume, viene da sé che quando si condividono queste cose, quando si viaggia insieme, quando si fa musica, quando tutto quello che facciamo nasce da una profonda condivisione, è normale percepire, anche non direttamente ma indirettamente, quello che succede.
Nel disco vi mostrate emotivamente scoperti. Com’è portare questa fragilità dal vivo, ogni sera, davanti a persone che non conoscete? Ci sono pezzi che sono più difficili da suonare di altri?
Francesco: Ti rispondo in maniera un po’ più personale, ma penso di poter rappresentare in linea di massima anche gli altri ragazzi. Almeno per me personalmente mi risulta molto più semplice suonare dal vivo brani dove ci si sente un attimo più scoperti. Forse perché sono anche quelli che nascono in maniera più spontanea, quindi mi sento più miei, più vicini, perché alla fine, almeno io come musicista, quando sono sul palco mi sento nel posto dove vorrei essere per raccontare la storia che voglio raccontare. Non è difficile. Magari il vero tormento dell’artista è sperare che quello che si porta in giro arrivi almeno alla metà di come viene percepito da noi.
Non facciamo uno show con tante chiacchiere nel mezzo: spesso facciamo parlare le nostre canzoni, e ci piace introdurre i nostri brani con delle parti strumentali che scriviamo ad hoc a seconda della scaletta. Ad esempio il nostro show adesso si apre con un componimento elettronico che ha scritto Zana e sotto abbiamo messo un estratto di voci di Toscanini, direttore d’orchestra. Ora non ricordo con quale orchestra stesse lavorando in quel preciso istante, però non era un’orchestra italiana, e lui si lamenta perché le persone che suonano in quest’orchestra suonano male, in ritardo, non trasportate dalla musica. Si lamenta con la sua personalità esplosiva, con questo accento italiano pesantissimo: “You have no ears, no eyes”, e dice “Contrabassi, you’re always late, siete sempre indietro. Voi non siete gli artisti”, e poi a un certo punto fa “No, è una vergogna, it’s a shame”. Il nostro show inizia con questa cosa quasi come una sorta di critica all’artista contemporaneo che, prima di far musica, prima di fare arte, si perde in tante altre robe; e poi inizia, per l’appunto, il primo brano con cui si apre questo tour. Succede con ogni brano: prima di “White and Torn” c’è una parte in cui Leti si prende il tempo di suonare della roba al synth, e poi decide lei quando smette e noi iniziamo a suonare il brano insieme a lei.
Questa emotività che raccontiamo, spesso ci piace raccontarla in maniera differente, spesso nella maniera più nuda e cruda possibile. Quello che ci spinge è cercare di fare le cose nella maniera più spontanea possibile, e quindi non c’è una sorta di manuale con cui portiamo in giro le nostre canzoni. Lo facciamo nel modo che ci viene più semplice, e questo ci permette di farlo senza difficoltà: non stiamo lì a pensare quale può essere il modo per arrivare più rapidamente a qualcuno, lo facciamo come vorremmo farlo, sperando che arrivi.
“Hollywood Stray” è un disco su chi cammina ai margini. Se una persona lo ascoltasse in un momento in cui si sente fuori posto o non abbastanza, cosa vorresti che si portasse via?
Francesco: Il fatto che se sei un underdog, se ti senti davvero ai margini della società, molto probabilmente non sarai mai davvero solo, e questo può essere sicuramente un punto di inizio. Se ritorniamo al nostro primissimo discorso, è quello che abbiamo sempre portato in musica: la parata, il raduno cosmico, le emozioni che diventano sogni che ti divorano, il ritorno alla normalità, sentirsi al limite ma comunque essere all’interno della parata.
Per noi il concetto di parata non è solo il nome di una band, è una cosa che ci portiamo davvero dietro come famiglia allargata. Abbiamo una famiglia gigante. Ti faccio un esempio: noi siamo in cinque, ma giriamo sempre in sei, perché Jimmy, il nostro fonico, è parte della band: quando possiamo è sempre con noi, era con noi in studio con Chant, è sempre con noi nelle feste. Allo stesso modo Pierfrancesco Bigazzi, che è da sempre il regista dei nostri videoclip, è la prima persona che ascolta le bozze delle nuove canzoni, con cui ci confrontiamo; sua figlia è nata sulle note dei Flame Parade, in ospedale. Questa cosa della parata è il modo con cui viviamo la musica, e quindi è molto probabile che questa società ti faccia sentire ai margini, che farai fatica a starci dentro, ma allo stesso modo è molto probabile che in questo stare ai margini tu non sia mai davvero solo. Forse è questo che mi piacerebbe arrivasse.
Quaranta minuti di telefonata sono volati. Più che un’intervista è stata una chiacchierata: aneddoti di studio e di club, nessuna fretta, e un livello umano altissimo. I Flame Parade sono Marco Zampoli (chitarra, voce), Letizia Bonchi (voce, violino, tastiere), Francesco Agozzino (chitarra), Mattia Calosci (basso) e Damien Carlucci (batteria). Sul palco lasciano parlare le canzoni, e lo show si apre con la voce di Toscanini che rimprovera un’orchestra: per Francesco è una critica all’artista contemporaneo che si perde in mille altre cose prima di fare arte. Lo stesso spirito sta dietro le scelte scomode, dal disco in Inghilterra alla data in un paesino tedesco, perché per loro l’arte deve essere «una sveglia costante» e non un anestetico. Il messaggio è semplice: se ti senti ai margini, probabilmente non sei mai davvero solo.
